École de théâtre

Un petit chef d’œuvre dans son genre. Il est assez difficile de s’exprimer au sujet de cette pièce. J’admire la perfection de sa construction, cette progression par petites touches, en montage parallèle incessant, qui, presque réplique par réplique, avance du quotidien vers le fantastique, du « banal » vers le merveilleux. Si l’ancrage du conte – car il s’agit incontestablement d’un conte – dans la réalité semble tellement réussi, c’est avant tout à cause du style de l’auteur, qui réalise l’union paradoxale mais d’autant plus fructueuse de l’ellipse systématique et de la minutie narrative la plus extrême. Le procédé le moins réaliste qui soit, le commentaire permanent de l’action par ses protagonistes, est justement celui par lequel la vraisemblance de ce monde de la mille deuxième nuit est établie. La lecture de l’œuvre en est d’autant plus étonnante, car tout débouche sur une fin « fermée » au-delà de laquelle les personnages, qui nous paraissent pourtant si vrais, n’ont, nous le devinons, plus la moindre existence. En présence d’un chef-d’œuvre, grand ou petit, universel ou en son seul genre, l’exégèse ne se justifie pas autant que la seule émotion. Disons-le en deux mots : Une nuit arabe : prenant et magistral !

C’est « là-bas », dans cette ville qui regroupe toutes les villes. Dans ce lieu où la coexistence n’est plus possible, où la ville à été divisée en secteurs : Est. Ouest. Jérusalem. Beyrouth. Saint Jean d’Acre… de l’antique Sidon à l’actuelle Gaza, l’histoire se répète. Les « Croisades » sont toujours aussi présentes. On suivra tout au long de la pièce l’histoire des adolescents Bella, Ismaïl, Krim et Yonathan, victimes et bourreaux de cette guerre sans fin qui déchire leur pays et leur ville, les poussant dans leurs retranchements les plus extrêmes. Amenant les amants à se déchirer, les amis à s’entretuer et les laissant seuls, à bout de souffle.Autour d’eux « des échappées ». Des personnages d’autres époques,d’autres guerres, traversent l’espace, le temps de nous délivrer quelques mots. Morts depuis longtemps ou depuis peu, ils se relèvent pour parler aux vivants. Tuer ou être tué, poursuivre une quête insensée, tenter d’aimer, se résigner face à trop d’horreurs. Les personnages de cette pièce sont obligés de choisir leurs camps. Mais ont-ils vraiment le choix ? Michel Azama construit cette pièce autour des Méditerranées, mettant ainsi en relation la Croisade des Enfants de 1212 et les croisades contemporaines : les enfants guerriers de l’Afrique, les enfants des clés en Iran, la jeunesse palestinienne de l’Intifada et les adolescents israéliens de Tsahal… Il dresse un portrait du monde rendant la problématique de cette pièce universelle, ne nommant jamais le pays en question, pour mieux brouiller les pistes et les cartes, et conférer une puissance quasi mythologique au récit. Nous renvoyant à ce qu’il y a de plus viscéral en chacun de nous. Au milieu de notre chaos, de l’espoir, beaucoup.

Dans Macbett, Eugène Ionesco interroge la nature humaine et la fragilité de la morale. À travers le personnage de Macbett, l’auteur nous montre comment l’ambition et le pouvoir peuvent corrompre les plus nobles des hommes. La pièce est également une réflexion sur le destin et la fatalité, montrant comment les choix que nous faisons peuvent nous conduire inexorablement vers notre perte. Le style tragi-ubuesque d’Ionesco se manifeste dans l’absurdité des situations et des dialogues, créant une atmosphère à la fois comique et troublante. Les personnages évoluent dans un monde où la logique est inversée, où la violence et la démesure règnent en maîtres. Cette esthétique de l’absurde permet à Ionesco de mettre en lumière les paradoxes de la nature humaine et de dresser un portrait caustique de la société. En confrontant Macbett et Banco à leur propre déchéance, Ionesco nous invite à nous interroger sur nos propres valeurs et à prendre du recul sur nos désirs de pouvoir et de domination. La pièce se conclut de manière tragique, rappelant que la vanité et la soif de pouvoir ne mènent qu’à la destruction et à la mort. En revisitant le Macbeth de Shakespeare à sa manière, Eugène Ionesco signe avec Macbett une œuvre puissante et dérangeante. Entre comique et tragique, absurde et réalité, la pièce nous plonge au cœur des ténèbres de l’âme humaine. Si vous êtes amateur de théâtre engagé et provocateur, n’hésitez pas à vous plonger dans l’univers de Macbett.

Sémione Sémionovitch est officiellement un looser, chômeur à temps plein. L’annonce de son prochain suicide provoque un séisme parmi ses voisins, et dans l’immeuble communautaire où il vit, les langues se délient. Ce petit peuple n’est dupe de rien… La révolution ne tient pas ses promesses, gangrénée par la corruption et une bureaucratie qui roule pour une poignée de dirigeants qui n’ont, de bolchéviques, que l’étiquette. Nicolaï Erdman perçoit ces instants de tension dans son pays, les rêves brisés d’une révolution dévorée par les ambitions d’un tyran. A l’instar de ses amis Meyerhold et Maïakovski, tous trois ressentent les signes annonciateurs de la bascule totalitaire. Nicolaï Erdman écrit Le Suicidé parce qu’il croit encore l’idéal révolutionnaire possible. Pour Jean Bellorini, metteur en scène ayant monté ce texte en 2022, cette pièce “prend la forme d’une course effrénée, d’un ballet convulsif de personnages hauts en couleur, d’une farce grinçante truffée de répliques hilarantes”. L’humour est la politesse du désespoir entend-on souvent. Cette sentence prend ici tout son sens. Erdman passera entre les fourches caudines du stalinisme, malgré la censure, la prison et l’exil qu’il connaîtra toute sa vie. Il renoncera définitivement au théâtre après l’interdiction du Suicidé, cette pièce où seuls les morts peuvent dire tout haut ce que les vivants pensent tout bas.